BRONZE:
BRUCE GAGNIER, 1985-2021
A Solo Exhibition by Bruce Gagnier
Oct 20—Nov 20, 2026
Wed–Sun 12am–6pm
Thomas Park Gallery is pleased to present Bronze: Bruce Gagnier 1985–2021, the artist’s fifth solo exhibition with the gallery. Bringing together a selection of bronze sculptures made over nearly four decades, the exhibition focuses on relatively small-scale works. During its run, another solo exhibition featuring Gagnier’s most recent works will open in New York in December.
“All my figures are made for bronze,” Gagnier remarks on the occasion of this exhibition. Yet the material he spends the most time working with is clay, whose plastic quality allows forms to be shaped by hand. The figures pass through plaster in the casting process before reaching their final state in bronze, a metal that must be melted by heat to take shape. Interestingly enough, in the East Asian philosophy of the Five Phases (五行 오행, wuxing), metal corresponds to autumn, a season of gathering and fruition. As if in parallel with this philosophical tradition, bronze represents both the outcome and the culmination of Gagnier’s work. For an artist so deeply engaged in the process of making, the final material realization is no less important.
Gagnier can be described as a motif artist. A motif artist returns repeatedly to a familiar subject, not simply to reproduce it, but to discover through repetition and variation new possibilities of plasticity and perception. Giorgio Morandi offers a useful example; Morandi returned to bottles and vessels, Gagnier returns to the human figure. Like Morandi’s paintings, Gagnier’s sculptures move between representation and abstraction. In his pursuit of formal experimentation, his figures are sometimes mistaken for deliberate distortions of the human body.
Gagnier’s figures begin with knowledge of the body but move away from its conventions through memory, touch, accident, cutting, pressure, and revision. Around 1980, seeking a more immediate way to disrupt the patterns of the figure, he began working with hollow clay casts, pressing into them from within and cutting and rearranging their forms. This process became a way of bringing what he calls the “inner life” of a person into conversation with surface anatomy. Bronze might be a paradox in this process. A figure developed through continuous change is ultimately cast in a material glowing with a sense of permanence.
Bronze is distinguished by its durability, density, capacity for detailed casting, and relationship to light. Traditionally an alloy of copper and tin, bronze is valued in sculpture for its resistance to corrosion, relative toughness, and ability to reproduce subtle details of a modeled surface. It can be polished to a smooth finish or retain the marks and irregularities of the original clay. Through patination, its surface can take on a range of colors, from gold and brown to green, while natural exposure to the environment may alter its appearance over time.
Bronze is distinguished by its durability, density, capacity for detailed casting, and relationship to light. Traditionally an alloy of copper and tin, bronze is valued in sculpture for its resistance to corrosion, relative toughness, and ability to reproduce subtle details of a modeled surface. It can be polished to a smooth finish or retain the marks and irregularities of the original clay. Through patination, its surface can take on a range of colors, from gold and brown to green, while natural exposure to the environment may alter its appearance over time.
토마스팍 갤러리는 브루스 가니에의 다섯 번째 개인전 《Bronze: Bruce Gagnier 1985–2021》을 개최한다. 이번 전시는 약 40년에 걸쳐 제작된 청동 조각 중 작은 규모의 작품들을 선별해 선보인다. 전시 기간 중인 12월 뉴욕에서 가니에의 최신작을 소개하는 또 다른 개인전이 개최될 예정이다.
“내 모든 인물 조각은 청동으로 빚어지기 위한 것이다.” 가니에는 이번 전시에 즈음해 이렇게 말한다. 그러나 그가 작업 과정에서 가장 오랜 시간을 보내는 재료는 손으로 자유롭게 형태를 빚을 수 있는 점토다. 점토로 빚은 형상은 주조 과정에서 석고를 거쳐, 열로 녹여 주조하는 금속인 청동으로 완성된다. 흥미롭게도 동양의 오행五行 사상에서 금金이라는 성질은 가을에 대응하며, 수렴과 결실을 상징한다. 마치 오행을 따르듯, 청동은 가니에 작업의 결과물이자 결실이다. 제작 과정에 깊이 몰두하는 작가에게 그 과정이 도달하는 최종적인 물질적 형태 역시 그에 못지않게 중요하다.
가니에는 ‘모티프 아티스트motif artist’라고 할 수 있다. 모티프 아티스트는 익숙한 소재를 단순히 재현하기 위해서가 아니라, 반복과 변주를 통해 조형성과 지각의 가능성을 발견하기 위해 같은 대상으로 끊임없이 돌아가는 작가다. 조르조 모란디가 좋은 예로, 모란디가 병과 그릇을 반복해서 그렸다면, 가니에는 인체를 탐구한다. 모란디의 회화처럼 가니에의 조각도 구상과 추상의 경계를 넘나든다. 형식적인 실험을 하다 보니 그의 인물상은 때로 인체를 의도적으로 왜곡한 것으로 오해받기도 한다.
가니에의 인물상은 인체에 대한 깊은 이해에서 출발하지만, 기억과 손의 감각, 우연, 절단과 압력, 반복적인 수정을 거치며 관습적인 인체 표현에서 벗어난다. 1980년 무렵 그는 인체의 익숙한 형태를 보다 직접적으로 해체하기 위해 속이 빈 점토 주형의 안쪽에서 바깥쪽으로 힘을 가하고, 형상을 잘라 재배치하는 작업을 시작했다. 이는 그가 말하는 인간의 ‘내면적 삶’을 신체의 외적 구조와 연결하는 방법이 되었다. 이 과정에서 청동은 하나의 역설을 만들어낸다. 끊임없는 변형을 거쳐 탄생한 형상이 영속성을 지닌 재료로 주조되는 것이다.
청동의 주요 특성은 내구성, 높은 밀도, 정밀한 주조 가능성, 그리고 빛과의 관계에 있다. 전통적으로 구리와 주석의 합금인 청동은 내식성과 인성이 우수하고, 점토로 빚은 형상의 미세한 부분까지 정교하게 재현할 수 있어 조각 재료로 널리 사용되어 왔다. 표면을 매끄럽게 연마할 수도 있고, 점토에 남은 손의 흔적과 불규칙한 질감도 표현할 수 있다. 파티나 처리를 통해 금색과 갈색, 녹색 등 다양한 색조를 구현할 수 있으며, 시간의 흐름과 외부 환경에 따라 표면이 자연스럽게 변화하기도 한다.
무엇보다 청동은 빛에 다채롭게 반응하는 재료다. 표면의 질감과 마감에 따라 빛을 부드럽게 확산시키기도 하고, 강렬한 반사광과 극적인 명암의 대비를 만들어내기도 한다. 석고가 모란디의 회화처럼 고요하고 은은한 빛을 머금고 확산시킨다면, 청동은 렘브란트의 회화처럼 빛을 통해 형태의 깊이와 물질성, 중량감을 드러낸다. 두 경우 모두 빛은 단순히 표면을 비추는 데 그치지 않고, 우리가 형태를 지각하는 방식과 불가분의 관계를 맺는다. 가니에는 최근 인터뷰에서 이렇게 말했다.
“회화는 형태를 드러내기 위해 빛을 만들고, 조각은 빛을 드러내기 위해 형태를 만든다.” 그리고 우리는 평생 빛의 광학적 시학을 탐구해 온 작가가 빚어낸 빛을 목격하기 위해 그의 청동 조각 앞에 있다.
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